Batman begins

BATMAN BEGINS 

"Batman Begins" es un fantástico thriller de súperheroes, que da inicio a la trilogía de “El Caballero Oscuro",  dirigida por Christopher Nolan. El director apostaría por explorar los orígenes del personaje, así como sus  motivaciones personales para convertirse en el Hombre Murciélago, de forma tal de despertar el interés del  espectador tanto en Bruce Wayne como en Batman y, al mismo tiempo, construir la trama desde un punto de  vista más humano y realista, porque para Nolan el mundo de Batman es el de la realidad fundamentada,  reconocible y contemporánea, de la cual puede perfectamente surgir una figura heroica, sin necesidad de tener  que estar viviendo una fantasía narrativa. Inspirándose, entonces, en el desarrollo narrativo en donde la historia  narra como nace y se desarrolla la figura del súper héroe. La infancia de Bruce Wayne: la caída al agujero de la  Mansión Wayne, o el asesinato de sus padres, para profundizar en el viaje y formación de Wayne en un  monasterio coreano, en donde terminará por adquirir sus habilidades en artes marciales y ciencias forenses. Es  preciso señalar que el principal tema de la película es, el miedo. Ciertamente, el factor que desencadena el  nacimiento de Batman será la confrontación de Bruce Wayne de todos sus miedos, el miedo a la oscuridad y a  los murciélagos, a la incertidumbre del futuro y la soledad. Por otra parte, la búsqueda de la figura paterna de  Bruce Wayne, después de la muerte de su padre y la aceptación del padrinaje de Ra’s, y la figura de Albert, son  parte de esa búsqueda por superar la incertidumbre emocional de saber que la soledad es parte de nuestras  vidas en algún momento, aunque no la busquemos. Sin embargo, el miedo también es tratado por Nolan como  un recurso utilizado por el crimen organizado para controlar todas las esferas sociales y apoderarse de la  ciudad, siendo en ello la droga creada por el Dr. Crane "El Espantapájaro" una metáfora de ese poder en las  manos equivocadas. Entonces, el guionista construiría una historia realista, perfectamente posible en nuestros  tiempos en cuanto a la factibilidad técnica de un héroe anónimo y la incidencia casi omnipresente de la  corrupción y el crimen organizado, contexto que no cuesta encontrar en nuestros días. El protagonismo del  terrorismo y una guerra que la policía parece ir perdiendo día a día ante el crimen organizado, en consecuencia,  no es una falacia ni mucho menos una distopia, aunque la aparición de un enmascarado justiciero para combatir  esta realidad parezca demasiado fantasiosa. No obstante, la clave estará en la construcción no sólo de Batman, 

sino también los personajes antagonistas, con los cuales Bruce Wayne tendrá constantes conflictos personales y justicieros. Así, el guión nos lleva a los orígenes de Batman, cuando Bruce Wayne viaja, por decisión propia al  mismísimo infierno en la tierra (la cárcel en Asia), para intentar encontrar el origen de sus peores miedos,  enfrentarlos y destruirlos. Entrenado por un enigmático líder de Liga de las Sombras, dónde decidirá romper con  lo que su maestro tiene destinado para él, la destrucción brutal de la corrupción, sin justicia de por medio, para  regresar a Gotham, tomar su lugar en los negocios de su padre y tratar de recomenzar su vida. En su búsqueda  por cerrar las heridas del pasado y vencer sus miedos internos, creará su alter ego, a partir de un símbolo al que temía, pero ya no, y que todos temerán: el murciélago. Bruce Wayne es un hombre vulnerable, atormentado por  el pasado, víctima del destino, contrariado por su sed de venganza y su afán de lograr justicia: características  que denotan un personaje estructuralmente profundo, lo que lo convierte en un ser humano, al fin de cuentas.  Los miedos y la búsqueda por un equilibrio mental parecen perderse en una confusa, indefensa y contradictoria  Gotham. Las actuaciones son inmejorables, Christian Bale está impecable como Batman, encarnando un  personaje convincente que, en gran medida, resulta más creíble y lleno de matices. Liam Neeson es Henri  Ducard "Ra’s al Ghul", el líder de la Liga de las Sombras, que podríamos llamar extremista ideológico, cuya  peculiar forma de ver la limpieza del crimen es bastante draconiana. Para él, la purificación con fuego y  destrucción constituye un atisbo de cordura en un mundo decadente y ciego. Cillian Murphy es el Dr. Crane "El  Espantapájaros", un psicofarmacólogo que oficia de jefe administrativo del Psiquiátrico de Arkham, y creador de  una toxina inductora del miedo, cuya base química es una flor que crece en el santuario de Ra’s. Tom Wilkinson  como Carmine Falcone, el jefe de la mafia de Ciudad Gótica, un tipo de lo más clásico en el hampa: asesino,  contrabandista, extorsionador... Refleja el abandono de justicia y la impunidad del crimen en Gotham.  Secundarios de lujo como Michael Caine, en el rol de Alfred Pennyworth, el mayordomo que cría a Wayne y su  pilar emocional. Morgan Freeman como Lucius Fox, el talentoso ingeniero mecánico, creador de las maravillas  técnicas que Batman presumirá ante los villanos. Gary Oldman, encarna al honesto jefe de policía Sgto. Gordon, acaso el único que de verdad quiere acabar con el crimen. Y Katie Holmes como Rachel Dawes, la amiga de la  infancia de Bruce y su interés amoroso. En definitiva, vestido como si fuera un superhéroe, Christopher Nolan  recupera la magia de uno de los más grandes héroes de todos los tiempos, con una visión realista, melancólica  y fresca al mismo tiempo del Hombre Murciélago. Se convirtió en un sólido éxito de crítica y taquilla, siendo  galardonada con tres Premios Saturn a la mejor película de fantasía, mejor guión y mejor actor (Bale). Además,  fue nominada a la mejor fotografía en los Oscars y a tres BAFTA, al mejor diseño de producción, mejor sonido y  mejores efectos visuales. Es, sin duda, una de las mejores películas de superhéroe de la historia  cinematográfica. Interesante, absorbente, atractiva visualmente y provista de una banda sonora cautivadora.

 

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Los puentes de Madison

 LOS PUENTES DE MADISON 

'Los Puentes de Madison' es un drama romántico dirigido por Clint Eastwood, producido por Kathleen Kennedy, y basado en la novela de Robert James Waller. Francesca Johnson (Meryl Streep), de origen italiano, vive en el  condado de Madison (Iowa) junto con sus dos hijos y su marido. Cuando los tres acuden a una feria durante  cuatro días, dejando a Francesca sola en casa, aparece un exótico fotógrafo de la revista National Geographic,  Robert Kincaid (Clint Eastwood), que la conquistará. Ambos vivirán un breve pero intenso amor imposible. Meryl  Streep, como siempre, realiza un trabajo exquisito. Cada mirada, cada gesto, reflejan la baja autoestima de una  ama de casa poco valorada. Clint Eastwood acostumbrado a ser un macho imponente, sorprende con su  sensibilidad y romanticismo. Y aunque los actores no peguen como pareja, son tan profesionales que llegan a  crear química entre ellos. Es una historia preciosa que engancha desde el principio, y que está muy bien  contada. El vestuario y los escenarios campestres añaden un efecto melancólico y romántico. Sin duda el mejor  momento de la película es la escena final entre Francesca y Robert, digno de un auténtico drama romántico, en  el que es inevitable derramar alguna lágrima. La película fue nominada en 5 ocasiones a diferentes premios, 3  de los cuales fueron para Meryl Streep.

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El padrino. Parte II

EL PADRINO. PARTE II 

Después de una primera entrega que cambió el cine, “El Padrino II” mejoró algunos puntos, haciendo que cada  secuencia cobrase vida dentro de una trilogía única de esas que perduraran siempre en la industria  cinematográfica. La película se centra en Michael Corleone quien fue maravillosamente interpretado por un  joven Al Pacino que como sucediese en la anterior, hizo quizá uno de sus papeles más recordado y que juegan  de forma elegante con toda la historia contada. La música también es de mencionar al llevarte suavemente hacia las secuencias donde cada una tiene un sentido lógico que merecen ser visto. La fotografía es de esas que dan  unos planos hermosos sobre todo de zonas de Italia que se quedan grabadas en las retinas de quienes la  hemos visto más de una vez. No sólo se trata de una cinta de mafiosos más sino que abrió un mundo nuevo en  esta temática y fue una digna precuela que dio la continuidad necesaria para hacerla sensacional. Esta película  continua profundizando en la historia de la familia Corleone, mostrándonos el cambio sucesorio que se produce  con la muerte de Vito y el ascenso de Michael, que en primer momento rechaza en rotundo seguir el estilo  familiar y busca una vida al margen de los negocios Corleone. Pero esta historia cuenta con la particularidad, la  de no abandonar la historia de Vito, que aparece retratada en paralelo cuando Robert De Niro interpreta a un  adolescente y joven Vito Corleone. De esta manera, mientras vemos como Michael asume las responsabilidades de la familia Corleone, llegamos a conocer su historia desde otra perspectiva cuando compartimos recuerdos de  los inicios de Don Vito, estableciendo un vínculo de mayor familiaridad con los personajes. Mucho se ha hablado de esta cinta, y normalmente el debate se centra en la comparación, ¿cuál es mejor el Padrino I o el Padrino II?  A decir verdad, la genialidad reside en la historia completa. Tanto a nivel de historia como a nivel cinematográfico forman un pack inseparable que se eleva como uno de los reyes indiscutibles de la historia del cine. Aunque  puedan parecer dos historias independientes, Michael Corleone hace las veces de nexo de unión, ofreciendo Al  Pacino una de sus mejores interpretaciones. Esta historia de mafia, nos sitúa en las capas sociales más altas,  transportando al espectador a unas situaciones muy alejadas de la cotidianidad de la clase media, que hacen que el público se sumerja en unos escenarios tan envolventes que le hacen viajar a otros mundos. Si en la  primera se nos muestra la impunidad de gánster en unas situaciones donde puede parecer fácil ser mafioso, en  la segunda entrega vemos como la familia Corleone se enfrenta problemas con la justicia, embarcándose en una trama más negra y complicada que muestra el camino de Michael desde el cénit de su poder hasta el  derrumbamiento de su “Imperio,” convertido en un asesino que ha perdido los valores familiares que constituían  la base de la cordura de los Corleone. Así pues temas como la relación padre-hijo, los lazos familiares en  general, la corruptela de los poderosos o el honor son la base en torno a la que se articula esta obra de arte que  nos regaló Coppola. Las actuaciones, son inverosímiles, puras y brillantes. Al Pacino con personalidad propia e  impetuosidad fría y calculadora, se come la pantalla. Dejándonos una de las mejores actuaciones de su carrera.  Además de él, la cinta cuenta con unas soberbias interpretaciones y con un excelente reparto actoral. Robert de  Niro oscarizado por un soberbio y deslumbrante papel, nada más y nada menos que de Vito Corleone.  Estupendas e impecables actuaciones de Diane Keaton, Robert Duvall, John Cazale y Talia Shire. En definitiva,  esto para mi es cine con mayúsculas. Nada, absolutamente nada falla en esta película, algo que no sé si he  vuelto a ver en algún otro film. Hay películas que me han marcado más a nivel emocional o que tengo mas  cariño, por el motivo que sea, pero como ejercicio cinematográfico, no se puede comparar con prácticamente  nada. La considero una cinta imperecedera e indispensable en el séptimo arte, un clásico irrepetible y soberbio,  además de inmensa y descomunal. Necesaria por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música,  vestuarios y caracterizaciones, efectos y narrativa que sin duda, hacen de ella una de las mejores obras de la  historia del cine. 

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Love actually

LOVE ACTUALLY 

All you need is Love Actually. Siento en mis dedos que esta pelicula debe estar entre las obras maestras del  cine.Para empezar diré que la forma de la pelicula ha sido increible,haber que cosa mas ñoña no ha parido  madre,sí,que es muy cursi,sí,que busca el aplauso fácil,puede,que se aprovecha del reparto para contarte no 1  si no 10 historias recurrentes,cutres y cursis,¡que si! pero no se puede hacer mejor una pelicula ñoña,navideña y tan bonita como esta.Realmente,es todo lo anterior pero esta tiene un guión muy buena,todas las 10 historias  han sido muy bonitas aunque en algunas me dejará a medias,especialmente en la que mas me interesaba,en la  de Keira Knightley y Andrew Lincoln pero muy buenas todas las 10 historias que con una BSO muy muy  buena,con unos actores que despues detallare me han hecho sentirme como ellos y en eso consiste una  pelicula romántica y esta te lo consigue hacer multiplicado por 10,en la nota tambien se multiplica,además de  esto ¿que mejor sitio para desarrollar unas historias que en Londres en Navidad? En Nueva York,en Navidad,sí  pero con Londres me comformo.Una vez criticada la obra en general,el argumento,el guión,la dirección,que en la adaptación ha estado de 10 pasaré a criticar historia por historia,actorazo por actorazo. 1- Hugh Grant tiene mi  voto para las proximas elecciones,por favor,un presidente así en España,increible él y bonita la historia con una  de sus empleadas,que demuestra lo complicado para cualquiera que es el amor,incluso para el primer ministro  de Gran Betraña.De ella,además de que sabe decir bien "coño",la actuación ha sido buena,nada destacable ni  criticable,y no ser criticable para mal en esta pelicula llena de actorazos esta muy bien. 2-Mi Colin,mi niño  bonito,me encanta,actúa fenomenal,me encanta todas sus peliculas,me identifico mucho con cada personaje  que hace,y es uno de mis actores preferidos,transmite muchisímo sentimiento o supongo que me pareceré a  él,pero en toda la pelicula me he preocupado por él,espero ver mucho mas en pantalla a este crack,un idolo de  la actuación.De la muchacha igual que la anterior y la historia ha sido muy bonita,un escritor perdido y una mujer portuguesa con la que tendrá que entenderse. 3-Vale,aqui sois 2 grandes,eso es jugar sucio.Alan Rickman es  simplemente espectacular y me encanta y Emma Thompson simplemente es ella,la historia bonita,sin final claro  pero con escenas divertidas y digo lo de jugar sucio porque es la peor historia pero con los actores mas famosos y eso hace medio tapar la historia algo descafeinada pero que ademas adornado con las florituras de Rowan  Atkinson. 4-¿Martin Freeman haciendo porno? Divertido como poco,ternura en una historia no protagonista pero  bonita,con un Martin interpretandose a sí mismo creando buenas y divertidas escenas,que al fin y al cabo es de  lo que se trata. 5-¿Quieres salami? La historia mas sinsentido de la pelicula,un joven britanico quiere tener  sexo,pues muy bien ¿y? 6-(Sonido del movil) Una pareja que por fin se cuenta la verdad y te deja a medias  literalmente. 7-Liam Neeson es un padrastazo,bonita historia de amor infantil con buen reparto(por él) y con final  8-El Rockero,una cancion navideña para decorar la pelicula protagonizada por Charlie Sheen con sentimiento  navideño. 9-Al final me quedo con 9 historias no 10 pero tranquilos he dejado a la más guapa para el final,mi  actriz favorita con el permiso de Helena Boham y Kristen Stewart.Ella es la más guapa de todas,me encanta  Keira,me encanta como actúa y como no su historia con Andrew Lincoln me pareció mágica,ojala hubiera tenido  mas protagonismo,a mi me ha encantado,es que solo con que ella aparezca en pantalla a mi realmente ya me  vale,y si ademas esta acompañado por Andrew Lincoln mejor que mejor,lo que Andrew en esta pelicula no  sabe,es que en pocos años dejará la camará y los besos para matar zombies. Conclusión:Crhistmas is All  Round http://www.youtube.com/watch?v=sFNRfzmzWb8 

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Memento

MEMENTO 

Una obra maestra. Esta película es una de las mejores que ha dado el cine en todos los tiempos. Christopher  Nolan, junto con su hermano, hacen un debut propio de los mejores del séptimo arte. Un guión personal y una  dirección impecable para una película que...¿cómo decirlo? te despierta una curiosidad extraña desde el  principio, no sabes muy bien de que va pero poco a poco el mismo guión hace que te metas en la historia y, no  solo eso, sino que entiendas el porqué de que se cuente de esta manera tan asombrosa. Literalmente va hacia  atrás, como podemos ver en la presentación, una forma de decirnos que no levantemos mucho el culo del  asiento porque nos perdemos seguro!Empieza por el final y acaba por el principio, algo insólito, lo que hace que  cuando acaba te quedes con la boca abierta o, por el contrario, pienses que has perdido dos horas de tu vida.  No hay término medio para Memento, o te encanta o la odias, no es de esas películas que dices "bueno, es  entretenida", no hace que se te pase por la cabeza esa valoración. En auténtica, única. Una muestra de lo que  los hermanos Nolan son capaces de hacer con un bajísimo presupuesto pero con una idea tan brillante que es  imposible que no triunfe. Prometían y mucho desde el principio, lo han demostrado.

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Interestellar

 INTERSTELLAR 

Confusa, una película confusa a la vez que inquietante, hermosa, excelsa y grandiosa donde las haya en la cual  empiezas tu andadura por un camino conocido y seguro para desviarte por otro asimilable y, a continuación,  perderte por un mar de confusión pero volver a encontrarte en zona estable y, de nuevo, regresar a un remolino  de inesperado viraje y desconcierto y acabar enfrascado en una espiral de impresionante y fascinante confusión  de datos técnicos, frases científicas pero molonas de buena apetencia para el oído aunque escaso significado  para el cerebro y un montón de giros, tropiezos, caos, ultimátum, esperanza y, volvernos al principio para  retroceder y finalizar no se sabe dónde exactamente -aunque, un poco sí-, con la única evidencia segura de  confusión cautivadora de modo que, cuando salgas del cine satisfecho, confuso e impresionado con una idea  más o menos clara de lo que has visto -pero que nadie te pregunte por ella porque dar una explicación sobre lo  acontecido sería prácticamente misión imposible-, tu mente debe hacer acople de retroceso y recordar que la  ciencia-ficción es un género literario cuyo contenido gira en torno a hipotéticos logros científicos y técnicos del  futuro distinguiéndose, en este punto, del género fantástico que es fruto de la imaginación; también conocida  como literatura de anticipación pues muchos de los autores de este campo lograron anticipar diferentes inventos  que, con el tiempo, se transformaron en realidad en el mundo que vivimos, ejemplo Julio Verne y sus  submarinos y naves espaciales..., y ¡ésto es lo que tenemos aquí!, el Julio Verne del espacio, del tiempo, de la  física, de la cuántica, de los agujeros negros, de las galaxias, de la distorsión del espacio/tiempo, de la anomalía gravitatoria, de la realidad cuatrodimensional, de la relatividad..., y un montón de aspectos técnicos difíciles de  memorizar, asumir e interpretar que nos hablan de las fabulosas posibilidades infinitas, frenéticas, escalofriantes, impresionantes, incluso histéricas e inconcebibles pues se escapan a tu comprensión, por parte de dos  guionistas, Jonathan y Christopher Nolan -también director de esta incatalogable pieza magistral- que han tenido una inventiva maravillosa, sublime, grandilocuente y radiante donde cualquier adjetivo se queda corto excepto el  de confusión, una película confusa en la cual en el aspecto técnico y experto de datos te dejas llevar y arrastrar  por la sonoridad de unas sentencias, leyes y afirmaciones que suenan apetecibles y posibles en un proyectado  futuro pero que, acomplejan a tu mente por desconocimiento, que en el aspecto humano emociona y cautiva tu  sensibilidad más tierna y expuesta, que en la escenografía, fotografía y ambientación adquiere un nivel  magnífico de belleza y hermosura, amplitud e hipnotismo pocas veces visto donde la armonía seductora de los  silencios que le acompañan en espléndida procesión son de una exquisitez indescriptible y, por la cual pasarás  por momentos asombrosos, otros desconcertantes, otros pesados, otros lentos, otros de adrenalina pura y otros  que escapan a tu acepción actual. Un "Armageddon" para cambiar de habitáculo planetario que se inicia con una mirada referencial a "Señales", que se traslada rápidamente a un "2001: Odisea en el espacio" de inspiración  más poderosa e impactante y con tintes finales dramáticos a "Eternamente joven" donde se ansia la urgente  supervivencia -poderoso instinto que nos mueve a todos-, que juega obsesionado con la Ley de Murphy -si algo  tiene que pasar, pasará- y que, en medio de tanta tecnicidad, estratosfera, galaxias, dimensiones atravesadas  por la gravedad, espacios/tiempos divergentes, múltiples y alternos es el amor, el sentimiento y el deseo de  contacto humano la pieza central de esta obra maestra, la que mueve todo su motor y razón de ser en esta  poesía de ingeniería y anticipación realizada en imagen pues "no temo a la muerte, temo al tiempo", pues son  las sensaciones y emociones que experimentamos, vivimos y recordamos lo que perdura, se anhela y puede  atravesar ese desconocido, insondable y tan temido paso del tiempo. "Somos exploradores..., rabia, rabia de la  luz que se esconde"; explora intensamente este filme dentro de todas tus posibilidades, déjate guiar por su luz  clarificadora, aquello que se esconde en la oscuridad asúmelo sin discrepancia, soporta con entereza su sentida, y larga, duración pues es necesaria para tanto hecho e información vertida y disfruta como nunca de esa  confusión hipnótica, deslumbrante, apasionante..., y todo lo que se quiera que, pocas veces será tan placentera  en su magistral visión e inmensa, duradera, perpleja y confusa en su recuerdo. 

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Apocalypse now

APOCALYPSE NOW 

Partiendo de la inmortal novela de Joseph Conrad, 'El corazón de las tinieblas', Francis Ford Coppola realizó una  película inmortal, la más impactante, desquiziada y contundente obra que el cine americano realizó sobre Vietnam. Tan  grande es la obra como su mitología alrededor de ella. Un rodaje lleno de problemas, donde una tormenta tropical se  llevó los escenarios y donde la fiebre y las situaciones límite casi se llevan la salud mental de sus responsables,  Coppola y Martin Sheen entre ellos. 

Pero al margen de todo eso, nos queda la película, una epopeya contemporánea, entre lo épico y lo patético, de un  grupo de soldados que deben atravesar la línea de guerra de Vietnam para encontrar al coronel Kurtz, un militar  desbordado por la sinrazón de la guerra que se ha convertido en una especie de mesías para un grupo de indígenas y  americanos reconvertidos. Pero tan importante como el destino, es todo el recorrido: el capitán interpretado por Robert  Duvall, que ataca al Vietcong al ritmo de la cabalgata de las Walkirias de Wagner; los espectáculos de ocio que monta el gobierno americano para divertimento de sus soldados, con conejitas playboy incluidas; o, en la última versión del  director (denominada Redux), una onírica visita a una vieja plantación francesa, donde sus dueños viven ajenos al  desarrollo de la guerra, como si el tiempo no hubiera pasado. Y todo rematado con la aparición de un Marlon Brando  fantasmagórico interpretando a Kurtz con voz helada y grave, señalando el horror último de la guerra. Una película desbordante, inabarcable, que muestra las ambiciones de su director, siempre embarcado en proyectos  gigantescos, donde el éxito o el naufragio no parecen importar, pues será grande en ambos casos.

 

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Titanic

 TITANIC

Hay un dilema con esta película, y es que cualquier fan de las películas románticas, verá en esta un referente,  pero habrá otras muchas personas (Entre ellas, un servidor) que ven esta película aburrida y larga. No es una  película mala, pero tampoco podría considerarse la obra maestra de James Cameron, simplemente tuvo lo que  pedía el público más sentimental e influenciado por las galas de los Oscars, una historia de amor y después un  final trágico, que era de lo que realmente trataba esta historia, del hundimiento del Titanic y de las vidas de los  que iban a bordo, no sólo de estos dos enamorados. Si que muestran de buena manera como se diferenciaba  en aquella época la clase alta con la clase baja incluso en los cruceros, pero la historia se centra demasiado en  un romance prohibido y le quita importancia a otros asuntos u otras historias que podrían resultar interesantes  antes de que sucediera el desastre. Los actores hacen un buen papel por lo general, y resultan creíbles. La  banda sonora es de las mejores que se han hecho, eso es innegable. La pelicula consigue que tengas que sacar en pañuelo para secarte las lágrimas de los ojos en ciertas escenas, pero en su mayoría resulta demasiado  larga, y sobraría trama que se podría haber obviado o resumido de otra manera. En resumen, es una película  para ver alguna vez, pero no resulta realmente fluida ni demasiado interesante, sino que se hace pesada en  ciertos momentos, y sólo al final consigue mantenerte en tensión o emocionarte, el resto es solo un muy extenso largometraje de amor, de los que nuestras abuelas veían después de comer.

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Pulp fiction

 PULP FICTION

Pulp Fiction obvia su trayectoria cinematográfica de buena gana tras poseer un estilo escandalosamente "a lo Tarantino", en el buen sentido de la terminología. Probablemente, la película que por lejanía de criterio ostenta con lujo de absolutismo toda la riqueza de prototipos con la que cuenta Quentin, por ser en cuestión tan distinta en su manera de proyectarse (una película dividida en capítulos; tan sólo Tarantino lograría que esto funcionara) y por su sabiduría a la hora de expresar a un elenco que, además de encontrarse plagado de grandes estrellas, encaja a la excelencia en esta especie de comedia dramática que narra un rico entrelazado argumental con algunos giros de tuerca inesperados. Pulp Fiction es de esos tradicionales largometrajes que con el tiempo no hacen más que ampliar su grandeza, y no es para menos cuando de la mano de John Travolta, Samuel Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis y compañía se gesta una ambiciosa presentación que contiene un poco de todo lo suficiente como para catalogarse como una cinta atemporal (pese a sus constantes guiños hacia la cultura pop y las características predominantes de un ambiente que recuenta una conjunción de épocas), preponderando su atractivo y suculento guión acaudalado referencialmente y una composición musical con la clásica distinción de Tarantino. Pulp Fiction, en materia de índole propia, es una jugosa adaptación de un crudo humor negro que no teme reírse en la cara de la muerte y acaricia constantemente los dilemas existenciales, tales como los malos vicios, la violencia, el abuso, afecciones psicológicas y todo aquello que acompañe a las temáticas. Una obra opulenta dentro del repertorio fílmico de este simbólico director (no la mejor bajo criterio personal) y una apuesta más que interesante que en su momento trascendió como una de las más emblemáticas piezas en la historia del cine.

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